Le note dello Stabat Mater di Giovan Battista Pergolesi, commovente pianto di una madre per il figlio morto, composto per la Pasqua del 1736, si sposano con i preziosi manufatti sacri esposti, come il grande Ciborio seicentesco della chiesa di Santa Patrizia, il Corredo d’altare in porcellana bianca, destinato all’oratorio segreto del re nel Palazzo reale di Portici, e l’Immacolata Concezione, raro esemplare a soggetto religioso della manifattura. Questi ultimi sono entrambi provenienti dalla Real Fabbrica di Capodimonte. Incorniciano la scena, i costumi di Odette Nicoletti realizzati per lo Stabat Mater eseguito in occasione della Commemorazione di Giovan Battista Pergolesi nel 250° anniversario della morte (Stagione Lirica 1985-1986) con regia del Maestro Roberto De Simone.

Lo Stabat è un quadro della natura che parla al cuore. Capolavoro di espressione, di sentimento e di gusto, in esso le passioni dell’animo sono espresse con inimitabile perfezione, non ha avuto nel genere fl ebile e commovente chi l’abbia superato e forse non avrà mai l’eguale nel campo dell’arte

Francesco Florimo 1800 – 1888  – La scuola musicale di Napoli e i suoi conservatori.

La musica sacra trova una perfetta ambientazione nelle chiese napoletane barocche ridondanti di preziosi manufatti come il grande ciborio seicentesco della chiesa di Santa Patrizia o i comunichino attraverso i quali le suore di clausura della Trinità delle Monache ricevevano l’ostia.
Nel corso della Settimana Santa processioni, spettacoli e sacre rappresentazioni mirano a coinvolgere i fedeli, eccitandone il fervore religioso.
Per la Pasqua del 1736 il ventiseienne Giovan Battista Pergolesi, nell’ultimo anno della sua breve vita, porta a termine, su commissione della confraternita dei Cavalieri della Vergine dei Dolori, il suo Stabat Mater, commovente pianto di una madre per il figlio morto.
Due anni prima, nel 1734, Carlo di Borbone, figlio del re Filippo V di Spagna e di Elisabetta Farnese, aveva conquistato il trono di Napoli. Nel 1743 il sovrano crea la Real Fabbrica di Capodimonte dalla quale provengono il Corredo d’altare in porcellana bianca destinato all’oratorio segreto del re nel Palazzo reale di Portici e l’Immacolata Concezione, raro esemplare a soggetto religioso della manifattura.

Costumi

In omaggio a Napoli capitale della musica: gli strumenti musicali provenienti dal Conservatorio di San Pietro a Majella di Napoli (pianoforti di Paisiello e di Cimarosa e l’arpetta Stradivari) sono messi a confronto con un dipinto di Gaspare Travers i e un quadro di Louis Nicolas Lemasle raffigurante le Nozze della principessa Maria Carolina di Borbone con il duca di Berry, del 1816, in cui si riconoscono Giovanni Paisiello e Niccolò Paganini. Il tema musicale è variamente interpretato dalle manifatture di porcellana napoletana ed europea: si fondono così i due elementi più alla moda e caratterizzanti del secolo.

Più si procede lungo l’Italia e più la musica avanza nella perfezione. E Napoli è l’apice.

Gabriel François Coyer – Voyage d’Italie et d’Holland, 1775.

Nel Settecento a Napoli si fa musica ovunque: nelle strade, in campagna, nei grandi palazzi e nei teatri. Al Teatro Nuovo nel 1735 va in scena il Flaminio di Pergolesi, il nuovo genere della commedia in musica che si contrappone all’opera seria e si rivolge a tutti i ceti sociali. I quattro Conservatori napoletani, nati a fi ne Cinquecento come enti di assistenza per i bambini poveri, da “conservare” lontani dalle nefaste lusinghe della strada, ricoverano i fanciulli e insegnano loro vari mestieri fi no a trovare vocazione defi nitiva nell’esercizio della musica e del canto. Tra i tanti talenti, Giovanni Paisiello e Domenico Cimarosa assurgono ad un successo che li condurrà fi no in Russia, alla corte di Caterina II. Nel 1737, nella Napoli capitale borbonica, la musica lirica trova dimora nel Teatro di San Carlo. Il tema musicale è variamente interpretato dalle manifatture di porcellana napoletana ed europea, fondendo così i due elementi più alla moda e caratterizzanti del secolo. Nei due dipinti, all’ironica visione di Traversi che ritrae una famiglia di parvenues con l’improbabile suonatrice ammirata da un goff o corteggiatore, si contrappone la solenne uffi cialità del quadro di Lemasle raffi gurante Le nozze della principessa Maria Carolina di Borbone con il duca di Berry.

Costumi

Nel 1815, in seguito alla sconfi tta di Napoleone, la Restaurazione ristabilisce il potere dei sovrani assoluti in Europa. A Napoli, dopo la fucilazione di Gioacchino Murat, salito al trono nel 1808, ritorna dall’esilio in Sicilia il re Borbone, con il nome di Ferdinando I delle Due Sicilie. L’avvicendarsi dei sovrani determina sostanziali modifi che nell’arredamento della Reggia: le immagini di un potere ormai sconfi tto, come il grande ritratto uffi ciale dell’Imperatore e le porcellane francesi raffi guranti imprese napoleoniche, vengono imballate e portate via. Per quel che riguarda gli arredi, invece, il re Ferdinando, con spregiudicata avvedutezza e ironizzando sul fatto che Murat era stato un ottimo tappezziere che gli aveva perfettamente arredato le stanze, conserva i pezzi più belli, spesso semplicemente provvedendo alla sovrapposizione dei simboli del potere restaurato su quelli dell’ormai decaduto impero napoleonico. L’Inno borbonico, scritto dal barone Pietro Pisani, musicista dilettante, durante l’esilio di Ferdinando in Sicilia nel 1799, diviene, nel 1815, l’inno uffi ciale della Restaurazione borbonica, così celebre da essere impropriamente considerato di Paisiello.

Forse prima che ti giunga questa mia, avrai saputo dalla via di Calabria che Murat più non esiste.

Ferdinando Di Borbone – lettera al figlio Francesco, 18 ottobre 1815

Costumi

Ampio spazio è riservato nel Salone Camuccini al tema del Grand Tour nato dalle epocali scoperte di Ercolano nel 1738 e di Pompei nel 1748. Gli scavi furono il più grande evento culturale del secolo e furono utilizzati dai Borbone, che ne controllavano gli accessi, come un vero e proprio strumento di propaganda e grande attrazione del Regno delle Due Sicilie. Il Grand Tour divenne la meta imprescindibile per gli aristocratici e gli intellettuali di tutta Europa per completare la propria formazione sociale e intellettuale. Il tema è proposto in maniera originale da Hubert Le Gall con sculture di Righetti, biscuit di Tagliolini, bronzetti della fonderia Chiurazzi, terraglie e porcellane Del Vecchio e Giustiniani, vasi archeologici della collezione De Ciccio, e manichini che indossano i costumi di Emanuel Ungaro realizzati per La Clemenza di Tito di Mozart (Inaugurazione della Stagione Lirica 2010) e di Odette Nicoletti andati in scena per Festa Teatrale (Inaugurazione della Stagione Lirica 1987-1988) e per L’Osteria di Marechiaro di Giovanni Paisiello. In cuffia il Demofoonte di Niccolò Jommelli, che impressionò fortemente il giovane Mozart quando, nel 1770, si recò a Napoli e rimase affascinato dal clima culturale e musicale della città. “L’episodio più interessante del mio viaggio è stata la visita a Pompeia. Qui ci si sente davvero trasportati nell’antichità” scriveva Stendhal nel 1817. A sottolineare il ruolo di Napoli capitale è Charles de Brosses intorno al 1740: “A mio parere Napoli è l’unica città d’Europa ad avere davvero l’atmosfera di una capitale: il movimento, l’affluenza di persone, la grande quantità di servitori e il frastuono che ne consegue; una corte bene organizzata e decisamente brillante, il seguito e lo sfarzo dei gran signori: tutto contribuisce a darle quell’aspetto vivace e animato che hanno Parigi e Londra. Il basso popolo è turbolento, la borghesia frivola, l’alta nobiltà fastosa…”. E, qualche anno dopo, nel 1787 Goethe affermava: “Se mi propongo di scrivere parole, sono sempre immagini quelle che sorgono ai miei occhi: della terra feconda, del mare immenso, delle isole vaporose, del vulcano fumante; e per rappresentare tutto ciò mi mancano gli strumenti adatti”.

Corri, vola a Napoli ad ascoltare i capolavori di Leo, Durante, Jommelli, Pergolesi!

Jean-Jacques Rousseau 1712 – 1778 Dictionnaire de Musique, 1768

L’ampio salone d’angolo, che conserva importanti testimonianze del gusto neoclassico a Napoli, è affollato dai viaggiatori del Grand Tour: pittori, scultori, musicisti ed eruditi che indossano abiti di scena del Teatro di San Carlo, alcuni firmati da Ungaro. Nel Settecento Napoli non teme rivalità con le altre mete del viaggio in Italia: gli scavi di Ercolano e Pompei, avviati per volontà di Carlo di Borbone rispettivamente nel 1738 e 1748, rappresentano l’attrazione più significativa, indispensabile per completare la formazione degli aristocratici e degli intellettuali di tutta Europa. Nelle cittadine vesuviane l’antico mostra la verità della vita quotidiana, diversamente da Roma che ne documenta soltanto l’aspetto monumentale. Le Antichità di Ercolano, pubblicazione edita dalle stamperie reali quale strumento di propaganda del Regno e della frenetica attività di scavo, fa circolare in Europa le immagini dei reperti custoditi nella Reggia di Portici, che diventano modelli per biscuit, porcellane e bronzi. Nella riproduzione dell’antico si distinsero: Filippo Tagliolini, il capo modellatore della Real Fabbrica Ferdinandea, i cui bianchi biscuit simulano la materia marmorea; la Manifattura romana di Francesco Righetti formatosi presso l’argentiere Luigi Valadier; quella Giustiniani, specializzata in terraglie “all’etrusca”, determinando il successo di un gusto per l’antico che arriva fino ai bronzetti ottocenteschi della Fonderia Chiurazzi. Durante il suo viaggio a Napoli, il giovane Mozart, ad appena quattordici anni, ascolta, al Teatro di San Carlo, il Demofoonte di Jommelli che lo impressiona fortemente. In quegli stessi anni Charles de Brosses scrive: “Napoli è la capitale musicale d’Europa: che vale a dire, del mondo intero!”

Costumi

Gli oggetti esposti in questa sala ben rappresentano tale gusto: i due orologi di Capodimonte con le monumentali casse impreziosite da marmi rari, bronzi cesellati, porcellane e i biscuit parzialmente dorati con i telamoni raffiguranti Antinoo–Osiride, il dio egizio. La stessa figura ritorna, insolita funzione di manico del coperchio, nei vasi da gelo del celebre Servizio da tavola con le Vedute del Regno capolavoro della Real Fabbrica di Napoli. L’Egittomania coinvolse anche la musica napoletana: alla corte di Caterina II di Russia, Domenico Cimarosa mette in musica, nel 1789, il libretto di Ferdinando Moretti intitolato Cleopatra, le cui note accompagnano la visita. I manichini vestono costumi di Odette Nicoletti tratti da Le Convenienze ed inconvenienze teatrali, andato in scena al Teatro San Carlo, con regia del M° Roberto De Simone, per la Stagione Lirica 1996-1997

A Napoli l’interesse per l’Egitto trova forte stimolo a seguito del ritrovamento, tra il 1764 e il ‘66, del Tempio di Iside a Pompei, uno dei più completi edifi ci cultuali dell’Impero romano. Nel 1769 il celebre incisore Giovan Battista Piranesi pubblica le Diverse maniere d’adornare i cammini e ogni altra parte degli edifi zi desunte dall’architettura Egizia, Etrusca, e Greca proponendo la sua personale e colta lettura dei rapporti tra l’Egitto e le altre antiche civiltà. Questo primo diff ondersi dell’interesse verso l’arte egiziana diviene una vera e propria moda in tutta Europa, a seguito della campagna d’Egitto napoleonica del 1798. I resoconti del folto gruppo di studiosi e scienziati che Napoleone aveva portato con sé determinano il diff ondersi del goût de l’Egypte: piramidi, obelischi, divinità e faraoni diventano elementi decorativi ricorrenti nella porcellana e negli oggetti d’arredo in generale. Ben si inseriscono in questo gusto i due orologi di Capodimonte, la cui fattura fu lunga e costosa: le monumentali casse sono impreziosite da marmi rari, bronzi cesellati, porcellane e biscuit parzialmente dorati con i telamoni raffi guranti Antinoo – Osiride, il dio egizio, derivato dalle statue provenienti da Villa Adriana, con il tipico perizoma e il nemes, sorta di fazzoletto ripiegato sulla fronte. La stessa fi gura ritorna, nell’insolita funzione di manico del coperchio, nei vasi da gelo del celebre Servizio da tavola con le Vedute del Regno, capolavoro della Real Fabbrica di Napoli. Pure il giovanissimo Mozart, durante le sei settimane trascorse a Napoli nella primavera del 1770, visitò il Tempio di Iside e, forse, ne conservò il ricordo ancora venti anni dopo, quando componeva il suo Flauto magico ispirato ai misteri di iniziazione. L’Egittomania coinvolse anche la musica napoletana: alla corte di Caterina II di Russia, Domenico Cimarosa musica, nel 1789, il libretto di Ferdinando Moretti intitolato Cleopatra.

Costumi

Nell’Europa rococò del XVIII secolo si sviluppa un crescente interesse per i mondi esotici, dando vita a quella corrente di gusto che genera, insieme al proliferare di studi storici e scientifici, una vera smania collezionistica per le chinoiseries ovvero tutto ciò che deriva dalla Cina, termine con cui si indicava una vaga e più ampia regione del mondo orientale. A Napoli, fondamentale porto mercantile, tale gusto si diffonde ampiamente determinando la trasformazione dei mobili per i quali viene largamente utilizzata la lacca nera o rossa e l’affermarsi di modelli iconografici orientaleggianti che andarono a decorare porcellane e oggetti vari. Al gusto della chinoiserie si riferisce il boudoir donato, nel 1759, dal re Carlo alla consorte Maria Amalia di Sassonia, cresciuta nel Palazzo Giapponese di Dresda dove il nonno Augusto II aveva raccolto la più grande collezione di porcellane d’Europa. Completamente ricoperto da una decorazione plastica in porcellana, montata originariamente nella Reggia di Portici e poi trasferita a Capodimonte nel 1865, il salottino è l’opera che, meglio di ogni altra, rappresenta l’alto grado di perfezione tecnica e stilistica raggiunto dalla Manifattura di Capodimonte. Il piccolo ambiente privato presenta trofei musicali, festoni di fiori e frutta, uccelli del paradiso, scene di vita con personaggi e animali, cartigli con caratteri cinesi che, in alcuni casi, sono effettivamente traducibili come frasi beneauguranti alla coppia reale, testimoniando la significativa presenza a Napoli dei dotti eruditi del Collegio dei Cinesi, primo luogo di studi orientalistici in Europa, istituito nel 1724 dal missionario Matteo Ripa. La moda delle chinoiseries influenza anche il teatro e la musica come testimonia L’idolo cinese di Paisiello i cui personaggi, che indossano i fantasiosi costumi disegnati da Emanuele Luzzati, invadono il salottino. Nel tono ironico di Paisiello che racconta una Cina che, in fondo, non è così diversa da Napoli, si rispecchia la cultura del tempo che guardò ai mondi

Un buon re dà la felicità agli altri, colui che scolpisce la pietra e il bronzo lascia un ricordo che non può essere dimenticato, come i fiori odorosi.

Iscrizione Di Un Cartiglio Della Decorazione Del Salottino Di Porcellana Di Capodimonte

Costumi

In esposizione minerali provenienti dal Real Museo Mineralogico – inaugurato nel 1801 che oggi raccoglie oltre 30.000 reperti – e dal Museo Zoologico nato nel 1813 ( entrambi sono attualmente confluiti nel Centro Musei delle Scienze Naturali e Fisiche dell’Università Federico II di Napoli, in via Mezzocannone 8). Un omaggio alla nascita degli studi di mineralogia e vulcanologia di inizio XIX secolo che incantarono l’ambasciatore di Inghilterra e pioniere della vulcanologia moderna, lord William Hamilton. Le manifatture esposte esprimono una moderna
sensibilità estetica verso la materia naturale, vero e proprio elemento d’ispirazione per la porcellana, che induce gli artisti a particolari sperimentazioni tecniche in una sorta di sfida imitativa con i materiali naturali, soprattutto di origine vulcanica e marina. Tra i reperti in esposizione una medaglia coniata nella lava del 1819 e raffigurante Ferdinando, re del Regno delle due Sicilie. Si ascolta in cuffia la Sonata in fa minore K 466 di Domenico Scarlatti.

Nessuno, oso dire, ha mai perseverato nelle proprie osservazioni su di un soggetto con maggiore costanza di quanto io abbia fatto durante i dieci e più anni del mio soggiorno a Napoli.

Lord William Hamilton 1730 – 1803 – Da una lettera a John Pringle, presidente della Royal Society di Londra, maggio 1771

Lord William Hamilton giunge a Napoli, nel 1764, come ambasciatore di Sua Maestà Britannica. Uomo di gusto, mondano, collezionista e appassionato di manufatti antichi e di fenomeni naturali, trova nella città il luogo adatto a coltivare i suoi interessi. Nella sua casa accorrono gli amici archeologi, musicisti e artisti attratti dalla sua collezione ma anche da Emma Lyon, la bellissima fanciulla che ha sposato nel 1791 e che, al suono di una lira, si esibisce nelle attitudes, pose che evocano dee e donne dell’antichità. Una serie di ripetute esplorazioni al Vesuvio e ai Campi Flegrei gli consentono di studiare i fenomeni con un approccio rigorosamente scientifi co che si va, fi nalmente, a sostituire ad una visione magico religiosa, rendendolo così il pioniere della vulcanologia moderna. Dopo varie relazioni e resoconti alla Royal Society di Londra, nel 1772 pubblica il volume sul Vesuvio e, nel 1776, la monumentale opera dei Campi Phlegraei, accompagnata da 59 illustrazioni a colori di Pietro Fabris, raffi guranti non solo vedute ma anche Materie vulcaniche, Pietre curiose, Vetrifi cazioni ed altri prodotti vulcanici: tavole che, nella loro bellezza sembrano anticipare una più moderna sensibilità estetica verso la materia naturale che diventa elemento di ispirazione per la porcellana, inducendo gli artisti a particolari sperimentazioni tecniche atte ad aff rontare una sorta di sfi da imitativa con i materiali naturali soprattutto di origine vulcanica.

Particolarmente interessante e curiosa la sala dedicata agli animali, presenti in esemplari tassidermizzati provenienti dal Museo Zoologico dell’Università Federico II di Napoli. Assieme alle manifatture esposte, essi esprimono lo spirito scientifico tardo settecentesco dei primi musei modernamente intesi e l’importanza della catalogazione come primo strumento di conoscenza. Il soggetto degli animali e, soprattutto, quello degli uccelli, trova largo spazio nella decorazione delle porcellane europee e napoletane qui presentate a diretto contatto con i modelli.
I reperti ornitologici del Museo Zoologico, risalenti al XIX e XX secolo e raccolti in differenti località geografiche, provengono da importanti collezioni storiche tra cui quella di Mario Schettino, amico di Francesco Saverio Monticelli e valente tassidermista, realizzata tra il 1901 e il 1937 e poi donata al Museo, e quella di Cecilia Picchi, ornitologa fiorentina attiva a cavallo tra l’Ottocento e il Novecento. Tra gli esemplari, sono da segnalare le specie provenienti dal Real Bosco di Capodimonte, il cui canto, in una registrazione realizzata all’alba in occasione della mostra, accompagna la visita: lo sparviere, il falco cuculo, il gufo reale, il lodolaio, molti dei quali a rischio estinzione, e la volpe, ancora oggi abitualmente avvistata nel sito reale. Molti di questi uccelli sono esposti in una grande voliera al centro della sala accanto ai piatti sui quali sono raffigurati con estremo rigore scientifico ma per ragioni decorative, con colori più vivaci. In questo i principali serviti di porcellana e terraglia delle Manifatture di Napoli competevano, per maestria, con quelle di Vienna e di Sèvres. Si comprende, così, che un servito da tavola diviene anche un catalogo naturalistico della fauna del Regno, come nel servito di Carditello, storica fattoria e tenuta di caccia reale, finemente decorato con uccelli del Bosco.

Sono gli uccelli naturalmente le più liete creature del mondo. Non dico ciò in quanto se tu li vedi o gli odi, sempre ti rallegrano; ma intendo di essi medesimi in sé, volendo dire che sentono giocondità e letizia più che alcuno altro animale.

Giacomo Leopardi – Elogio degli uccelli, 1824

Protagonista il Vesuvio, narrato in pittura nelle sue più importanti eruzioni e testimoniato dai reperti minerari esposti, provenienti dal Real Museo Mineralogico: vesuvianite, granato, leucite, lazurite, ematite e altri. Nel corso del Settecento le eruzioni si susseguono e il Vulcano dà spettacolo ispirando artisti come Hackert, pittore ufficiale di Ferdinando IV dal 1791 e, soprattutto, il francese Jacques Volaire che, stabilitosi definitivamente a Napoli nel 1769, si specializzò nella rappresentazione notturna del Vesuvio in eruzione.
Le porcellane, quasi in rivalità con la natura, da una parte imitano la materia mineraria, dall’altra illustrano il sublime del Vesuvio. Nel surtout de table con Il carro del Sole, in particolare, realizzato dalla Real Fabbrica di Napoli ma completato dalla Manifattura Poulard Prad, il bianco opaco e puro del biscuit trova particolare esaltazione nel contrasto con le nere pietre laviche dell’allestimento. Nella sala nera e rossa l’evocazione del sublime è esaltata dalla musica di Giovanni Pacini dedicata a L’ultimo giorno di Pompei, quell’impressionante calamità che indusse Goethe ad annotare sul suo diario: “Molte sciagure sono accadute nel mondo, ma poche hanno procurato altrettanta gioia alla posterità”.

Se mi propongo di scrivere parole, sono sempre immagini quelle che sorgono ai miei occhi: della terra feconda, del mare immenso, delle isole vaporose, del vulcano fumante; e per rappresentare tutto ciò mi mancano gli strumenti adatti.

Johann Wolfgang Goethe 1749 – 1832 – Viaggio in Italia, 1787

La pittura di paesaggio, sviluppatasi in città ad opera soprattutto dei vedutisti stranieri, ha come protagonista indiscusso il Vesuvio con la sua maestosa sagoma che attrae e spaventa, sollecitando il sentimento preromantico del sublime. Nel corso del Settecento le eruzioni si susseguono e il Vesuvio dà spettacolo ispirando artisti come Hackert, pittore uffi ciale di Ferdinando IV dal 1791 e, soprattutto, il francese Jacques Volaire che, stabilitosi defi nitivamente a Napoli nel 1769, si specializzò nella rappresentazione notturna del Vesuvio in eruzione, animato dalla presenza incuriosita dei colti eruditi e dal popolo terrorizzato che chiede grazia a San Gennaro, protettore della città, dalla lava e dalle fi amme minacciose. Anche nel dipinto ‘storico’ di Antonio Joli che illustra la malinconia con la quale Napoli assiste alla partenza del re Carlo per la Spagna nel 1759, lasciando sul trono il piccolo Ferdinando, il fulcro visivo è rappresentato dal vulcano. Il surtout de table con Il carro del Sole preceduto dall’Aurora e circondato da dodici fi gure danzanti che rappresentano le ore fu realizzato dalla Real Fabbrica di Napoli ma completato dalla Manifattura Poulard Prad cui si deve la fi gura di Carolina Bonaparte Murat seduta al posto di Apollo. Il bianco opaco e puro del biscuit trova particolare esaltazione nel contrasto con le nere pietre laviche dell’allestimento, provenienti, come gli altri materiali lapidei, dal Real Museo Mineralogico, istituito nel 1801 e oggi parte del Centro Musei delle Scienze Naturali e Fisiche dell’Università “Federico II” di Napoli. Nella sala nera e rossa l’evocazione del sublime è esaltata dalla musica di Giovanni Pacini dedicata a L’ultimo giorno di Pompei, quell’impressionante calamità che indusse Goethe ad annotare sul suo diario: “Molte sciagure sono accadute nel mondo, ma poche hanno procurato altrettanta gioia alla posterità”.

Costumi

Pulcinella, sovversivo personaggio, antica maschera napoletana, assai in voga nella Commedia dell’Arte settecentesca, comico e tragico, ingenuo eppure scaltro, approfittatore e generoso, servo del padrone e, allo stesso tempo, sbeffeggiatore del potere domina il Salone delle Feste. Pulcinella, con il suo ermafroditismo, sovverte la rigida e tradizionale organizzazione sociale e sessuale e, autofecondandosi, partorisce altri Pulcinella: il trionfo ironico della vita. Pulcinella muore sulla scena – come si vede nella pellicola in proiezione “Carosello napoletano” del 1958

Non che fosse più quieta della terra, la vetta dell’etere: Napoli ha avuto un grande fi losofo: Pulcinella

Libero Bovio – Don Liberato si spassa, 1941

Il grande salone delle feste vede protagonista Pulcinella, l’antica maschera napoletana, assai in voga nella Commedia dell’Arte settecentesca. Comico e tragico, ingenuo eppure scaltro, approfi ttatore e generoso, arrogante nella sua maleducazione eppure capace di gesti delicati, servo del padrone, scettico verso le possibilità di mutamento del mondo e, allo stesso tempo, sbeff eggiatore dei potenti, Pulcinella incarna il sentimento del doppio, anche grazie alla sua ambiguità sessuale che sovverte anche l’organizzazione sociale dei sessi. Egli fonde ad elementi maschili quali il naso adunco, il cappello a punta e il corno fallico, la femminilità del suo ventre prominente, perennemente gravido. Nella tradizione popolare a Carnevale, prima di morire, Pulcinella, autofecondandosi, partorisce un nuovo Pulcinella. In Carosello napoletano, fi lm di Ettore Giannini del 1954, Pulcinella, interpretato da Léonide Massine, dopo aver sedotto Colombina resta incinto e partorisce delle uova che rimandano ad una delle varie ipotesi sulla sua venuta al mondo proprio da un uovo, antichissimo simbolo di rinascita. E prima di morire in scena, Pulcinella passa la maschera ironizzando sul principio dinastico del passaggio del potere: è morto il re, viva il re!

Costumi

Nel monumentale centro tavola in biscuit commissionato da Ferdinando IV, il soggetto mitologico, riferibile al diff uso gusto per l’antico, trova una particolare declinazione politica, quale monito severo verso chiunque, suggestionato dalle ideologie rivoluzionarie che ormai serpeggiavano anche nel Regno di Napoli, intendesse minare il potere centrale del re. La tragica conclusione della Repubblica Partenopea che nasce e muore nel 1799, concludendosi con un vero e proprio bagno di sangue voluto soprattutto da Maria Carolina, sorella di Maria Antonietta ghigliottinata a Parigi nel 1793, fa della regina un bersaglio di invettive e parodie, una donna “pazza e già tutte lu sanno” come recita il canto La serpe a Carolina. Ad osservare, terrorizzata, la rovinosa caduta è proprio la regina, nel costume realizzato da Odette Nicoletti per La festa teatrale, pastiche musicale ideato dal Maestro Roberto De Simone per le celebrazioni del 250° anniversario del Teatro di San Carlo. Nei due dipinti, Angelica Kauff mann, pittrice di corte, ritrae, nell’ultimo quarto del Settecento, la famiglia del re Ferdinando e Maria Carolina, con la numerosa prole, mentre Giuseppe Cammarano, circa quaranta anni dopo, immortala la famiglia di Francesco I.

Non che fosse più quieta della terra, la vetta dell’etere: narrano che i Giganti pretendessero al regno celeste, e con i monti ammassassero cataste fi no alle stelle. Lanciò allora un fulmine, il padre onnipotente, e distrusse l’Olimpo.

Ovidio – Metamorfosi, I, 151-155

Costumi

Nel Settecento il gioco rappresenta un rituale mondano che accomuna aree geografi che diverse e diff erenti ceti sociali. Anche a Napoli si gioca nei salotti aristocratici e nei bassifondi, nei circoli e nei caff è, nelle case delle più raffi nate cortigiane e nelle osterie, e dovunque risuonano espressioni tipiche della musica napoletana, come la villanella Vurria ca fosse ciaula (Vorrei essere un uccello) il cui testo, onirico e surreale sembra proprio ricondurci alla dimensione più peculiare del gioco partenopeo: la sfi da al destino. Il lotto, infatti, è il vero gioco emblematico della città che implica capacità divinatorie e magiche e accomuna al sentimento greco del fato ineluttabile il fascino dell’azzardo. Se il popolo spende il suo denaro nel tentativo di interpretare e mutare a proprio favore il corso degli eventi, negli ambienti nobili si dilapidano patrimoni con scacchi e dame, carte, tris, roulettes e tric-trac, giochi particolarmente amati come testimoniano i tavoli e le scatole da gioco di squisita fattura. Viaggiatori e avventurieri, poi, assai spesso approfi ttano della sciocca ingenuità di alcuni e ricorrono a stratagemmi e imbrogli dai quali scaturiscono violente risse come quella raffi gurata nel dipinto di Gaspare Traversi.

…Si gioca. Si vedono i saloni occupati da tavoli, circondati di donne e uomini che il furore del gioco rende concentrati. Se non vi dedicate a questo loro piacere, appena vi guarderanno. Ma se vi ci dedicate, la vostra borsa è immediatamente in gran pericolo…

Marchese De Sade – Voyage d’Italie, 1776

Costumi

Nella selezione di porcellane napoletane ed europee esposte in questa galleria spicca il Servizio dell’Oca, così detto dalle figure di alcuni pomelli di zuppiere raffiguranti un bambino che strozza l’oca, derivato da un’antica scultura in marmo dei Musei Capitolini. Il servizio è il capolavoro della Real Fabbrica della porcellana di Napoli, fondata dal re Ferdinando IV nel 1771. Il tema dominante della decorazione è rappresentato da vedute derivate in gran parte da incisioni che illustrano il Regno dall’Abruzzo alla Sicilia. Si ascolta in cuffia “Saper Bramante” da Il Barbiere di Siviglia di Giovanni Paisiello

Più si procede lungo l’Italia e più la musica avanza nella perfezione. E Napoli è l’apice.

Gabriel François Coyer – Voyage d’Italie et d’Holland, 1775.

L’intitolazione della sala, tratta dall’opera teatrale di Eduardo Scarpetta del 1888, sottolinea il complesso rapporto che si stabilisce a Napoli tra classi sociali diverse. La nobiltà vive tra indispensabili cameriere, facchini, servi e valletti, con i quali si crea inevitabilmente un clima di promiscuità nel quale fi oriscono amori più o meno leciti, nascono malintesi, diverbi e litigi. Ne traccia un quadro straordinario l’opera di Paisiello L’Osteria di Marechiaro, del 1769 che narra dell’amore del conte di Zampano per Chiarella. La rivisitazione del Maestro Roberto De Simone si è avvalsa, nella messa in scena per il Teatro di San Carlo nel 2001, dei costumi di Odette Nicoletti, veri protagonisti di questa sala: la scelta di materiali poveri e contemporanei utilizzati sia per i ricchi che per i poveri con lavorazioni diff erenti che ne esaltano il potenziale estetico, sembra sottolineare quell’inestricabile rapporto della maglia sociale e conferisce dignità anche agli stracci dei personaggi più poveri che non si sottraggono al complesso gioco della seduzione, sotto gli occhi dei potenti e illustri personaggi ritratti nei dipinti della sala.

Si viaggia soltanto su sedie portate da facchini […] nulla eguaglia la bellezza di questi carri dorati nei quali si fanno trasportare le dame di corte; i valletti a piedi, i facchini vestiti con livree di gala, i paggi, i gentiluomini riccamente abbigliati e che scortano le sedie, danno a tutto il corte un’aria di magnifi cenza veramente imponente

Marchese De Sade –Voyage d’Italie, 1776

Costumi

La moda della parrucca è introdotta in Francia nel Seicento da Luigi XIII, presto imitato da cortigiani, ambasciatori e visitatori stranieri che ne diff ondono l’uso in patria. Le acconciature diventano, poi, sempre più complesse e rendono prestigioso il lavoro del parrucchiere che realizza vere e proprie “costruzioni” di capelli, toupet e ornamenti vari costringendo le dame a trovare, nella veglia e nel sonno, posizioni congeniali a non rovinarle. Il più celebre e potente fu Léonard, coi eur della regina Maria Antonietta al quale Maria Carolina chiese di inviare a Napoli delle bambole acconciate di sua mano per proporle come modelli ai suoi parrucchieri ma, preoccupata che questi ultimi non fossero all’altezza, chiese e ottenne dalla sorella Maria Antonietta di inviare Léonard presso di lei almeno una volta all’anno. Caratteristiche del parrucchiere francese sono le acconciature con sciarpe, gioielli, uccelli e battelli come quella “à la Belle Poule” dal nome della fregata francese che, dopo varie campagne in America e nelle Indie, partecipò alla guerra d’indipendenza americana. La moda era, infatti, inevitabilmente collegata alla storia e alla politica e questo sollecitò ancor di più la pungente ironia dei primi caricaturisti, documentata da un gran numero di incisioni. La futilità delle apparenze, in netto contrasto con la profondità del pensiero illuminista, costituisce il grande fascino di questo momento vissuto dalle corti e dai ceti aristocratici come le battute fi nali di un fuoco pirotecnico destinato a spegnersi con la Rivoluzione francese e la defi nitiva caduta dell’Ancien Régime

Le signore si distinguono per altre bizzarrie, come quella di far diventare ogni giorno più alte le loro acconciature.Vediamo così una dama con un villaggio in testa, un’altra con un bosco intero, un’altra ancora con un bel prato o un gran ponte […] un artista ha sfruttato l’occasione per impreziosire ancor più gli ornamenti ricorrendo alla meccanica, cioè nascondendovi scatole musicali che ogni tanto suonano, o anche canarini gorgheggianti.

Francesco Florimo 1800 – 1888- La scuola musicale di Napoli e i suoi conservatori

Costumi

“Carosello napoletano” è il nome scelto per l’installazione multimediale progettata e realizzata da Kaos Produzioni all’interno della Sala della Culla, che chiude il percorso di visita della mostra “Napoli, Napoli. Di lava, porcellana e musica”. Napoli con la sua storia si racconta da un punto divista privilegiato: dalle stanze e dai corridoi di Capodimonte il pubblico assiste allo spettacolo che si svela davanti ai suoi occhi. L’uso delle tecnologie multimediali e del videomapping permette di valorizzare al meglio lo spazio creando un dialogo tra passato e presente, in un fluire di immagini e suoni che lo trasformano come una grande macchina teatrale. Abbiamo provato ad immaginare Capodimonte come luogo al tempo stesso spettatore e attore di un’epoca frenetica e seducente, unica e contraddittoria, ricca di fascino, di ingegno creativo che diventa produttivo, rendendo Napoli vera capitale di un regno al suono roboante delle continue esplosioni ed eruzioni del Vesuvio di quegli anni. Un luogo che mette in scena se stesso e la sua relazione con la città, con il Teatro San Carlo con il quale condivide la paternità, con la scoperta di Pompei che il Vesuvio restituisce dopo secoli di soffocante protezione. Il racconto si apre con feste di palazzo e balli in maschera, figurini dei costumi del Teatro San Carlo volteggiano a passo di danza; tra vocalizzi e accordature di strumenti ci si prepara ad andare in scena: si alza il sipario e sul palcoscenico del teatro si assiste all’opera L’Osteria di Marechiaro, finché il rombo di un tuono non interrompe lo spettacolo. Un’esplosione di fuochi d’artificio illuminai quadri presenti in Sala, mentre al suono  di tammorre e litanie laterra comincia a tremare: il Vesuvio fa sentire la sua voce e lo spettacolo pirotecnico si trasforma in un’eruzione di lava e lapilli. In questo scenario che oscilla tra la morte e la vita solo un’invocazione a San Gennaro può fermare la catastrofe. Mala morte a Napoli non è definitiva, ma apparente, pronta ad assumere significati altri e a generare nuova vita.

È curato da Hubert le Gall, un artista e scenografo francese, nato nel 1961.
Le Gall realizza sculture e arredi poetici combinando diversi materiali, come ha fatto con il bronzo, con una libertà tale da diventarne la cifra artistica.
In quanto designer, si distingue dai suoi contemporanei per lo sguardo da scultore e per la riflessione ironica sulla forma e la funzione degli oggetti.
Molte sue creazioni sono esposte nelle collezioni permanenti di musei francesi e internazionali come il Musée des Beaux-Arts di Montréal (Québec) o il Musée « La piscine » di Roubaix. Ha realizzato molteplici progetti per il Mobilier National e per numerose ambasciate francesi all’estero. È  rappresentato nel mondo da una decina di rinomate gallerie.
Nel 2014 e 2015 tiene due esposizioni personali al Musée Francisque Mandet e al Château Borély a Marsiglia.
Dal 2002 Hubert le Gall conduce, parallelamente al suo lavoro di artista e designer un’attività di scenografo per i più grandi musei di Francia e d’Europa. A lui si deve, tra la altre, gli allestimenti della mostra su Claude Monet al Grand Palais e  su Pierre Bonnard  al Musée d’Orsay.
Nel 2015 collabora con grandi nomi dell’alta moda. La Maison Hermès gli affida il ruolo di direttore artistico dell’esposizione « Wanderland », che farà il giro del mondo. Per la Maison Ruinart realizza una serie di sculture intitolate « Calendrier de verre » (Calendario di vetro).
Precursore di quella che è oggi l’attività dello scenografo, contribuisce a conferire alle esposizioni una dimensione narrativa e plastica che ne garantisce il successo. Numerosi musei fanno appello ai suoi consigli per l’assetto delle sale delle esposizione permanenti.

C’era una volta una regina che viveva…

in una tazza…?

Ma no! viveva con il re in un Regno bellissimo con un cielo azzurro azzurro nel quale, di giorno, rifulgeva il sole e di notte i bagliori della lava incandescente del Vesuvio.

La sua capitale era NAPOLI, una città dove tutti amavano trascorrere il loro tempo tra svaghi quali la musica, il teatro, i giochi e una miriade di oggetti d’arte come quelli in porcellana che erano veramente di gran moda.

Andiamo a scoprirla insieme?

Sala della Musica Sacra

Ssss… fai silenzio, entra in punta di piedi! Non vedi che siamo in una chiesa con il suo grande ciborio, che è il luogo in cui si custodisce l’ostia, tutto decorato da pezzetti di marmo colorato e da bronzi, mentre siamo osservati da dolci angeli in marmo?

E ascolta questa musica emozionante scritta da Pergolesi, un musicista napoletano che nonostante sia morto giovanissimo, nel 1736, a soli 26 anni, ci ha lasciato dei brani sublimi come questo dedicato alla morte di Cristo e al dolore della sua mamma.

Sala della Musica Profana

Qui la musica cambia! Si fa allegra o trionfante, buffa o solenne come i due dipinti.

Osserva: in un quadro è raffigurata una ridicola signorina assai poco elegante e molto incerta che suona il clavicembalo mentre il suo fidanzato ascolta annoiato; nell’altro, invece, tutti sono composti ed eleganti: si tratta nientedimeno che del matrimonio della figlia del re di Napoli con il duca di Berry che si svolge nella cappella del Palazzo Reale di Napoli!

E a suonare, questa volta, ci sono due campioni: il violinista Paganini e il compositore Paisiello. Riesci ad individuarli?

Sala del Potere

Ma che disordine! Dì la verità: sembra la tua camera?

Casse di imballaggio ricolme di oggetti, uomini sulle scale che spostano quadri…davvero strana tanta confusione in una reggia come questa!

Ti stai chiedendo cosa mai stia succedendo? Te lo dico io: c’è chi va e chi viene…

Quanti proprietari ha cambiato questo palazzo! Per primo c’è stato Carlo di Borbone, re di Napoli dal 1734, che l’ha fatto costruire; poi suo figlio Ferdinando e poi Joachim Murat. Il grande ammiraglio francese diventa infatti re di Napoli quando suo cognato che è nientepopodimeno che Napoleone, nel 1806, conquista anche il regno di Napoli. Sono sicura riconosci facilmente l’imperatore nel grande quadro!

Ma questi uomini osano tirar giù il suo ritratto  perché, ormai, è stato sconfitto e il dipinto in soffitta, esiliato come lui…

I Borbone tornano a casa.

Sala del Grand Tour

Ma quanta gente in questa sala! Sono i turisti, i primi turisti che arrivano a Napoli e sono tutti personaggi illustri perché, a quei tempi, a viaggiare erano davvero in pochi: ambasciatori, artisti, musicisti, letterati, giovani rampolli delle famiglie aristocratiche.

E, da vari paesi dell’Europa, venivano tutti in Italia, soprattutto a Napoli.

Era bella, la nostra città: il cielo azzurro, il mare, i dintorni e, soprattutto, gli scavi di Ercolano e Pompei da poco riscoperti dopo che le città erano state sepolte, tanti secoli prima, da una terribile eruzione del Vesuvio di cui parleremo più avanti, ricordatene.

E quando tornavano a casa tutti volevano portare un ricordo del loro viaggio: un oggetto con le immagini delle cose belle che avevano visto.

Perché non provi anche tu a fare un ritratto della bella Napoli?

Sala dell’Egittomania

Piramidi, alti dignitari, steli, geroglifici su grandi orologi, piatti e oggetti… ma dove siamo?

Ancora a Napoli dove, nel I secolo d.C. erano arrivati i mercanti alessandrini a vendere e comprare e avevano costruito i loro templi dedicati alle loro divinità come quello di Iside a Pompei.

Nel Settecento i primi archeologi scoprono questi antichi monumenti e tutti si innamorano di queste nuove forme e di questi bizzarri personaggi.

Napoleone, che voleva conquistare il mondo, andò fino in Egitto e portò con sé tanti esperti che al loro ritorno, diffusero la conoscenza di tutto quel che avevano visto.

Ma non ti sembrano un po’ buffi fuori dal loro contesto?

Sala delle Chinoiseries

Non contenti dell’Africa i ricchi nobili rivolsero la loro attenzione alla Cina.

Beh… devo confessarti una cosa un po’ imbarazzante: la geografia non era proprio il loro forte e quando dicevano Cina spesso intendevano indicare tutto quello che era orientale, esotico, diverso dalle abitudini europee.

Tu, invece, sono sicuro che individui la Cina su un atlante a colpo d’occhio. Vero…?

Comunque, gli oggetti “cinesi” sono belli e allora… tutti a copiare: mobili, dipinti, porcellane, tutto rimanda a quell’affascinante mondo.

E per la regina… voilà! Una stanza tutta per lei interamente in porcellana, con i cinesini, le scimiette, gli uccelli e i ricchi festoni coloratissimi.

Peccato che non si possa entrare: la regina ne è gelosissima.

Sala della Materia

Quante volte, dopo una passeggiata in campagna o al mare sei tornato a casa con le tasche piene di pietre, sassi, rametti legnosi, conchiglie? Tante, ne sono sicuro.

Bene: quelle pietre, soprattutto quelle lucide lucide e nere nere del Vesuvio piacevano tantissimo anche ad un signore molto più grande di te e tanto importante: l’ambasciatore del re di Inghilterra William Hamilton.

William amava arrampicarsi sul Vesuvio, studiarlo, annotare le sue reazioni e da quelle spedizioni tornava sempre con il suo bottino che poi conservava nella sua casa insieme ai vasi antichi, altra sua grande passione!

Sala della Natura

Dipinti, statue, oggetti preziosi: ecco quello che ti aspetti di vedere in un museo come quello di Capodimonte.

Ma scommetto che a te piacciono tantissimo anche gli animali e allora eccoti accontentato.

Mammiferi ma soprattutto tanti uccelli, non solo riprodotti sulle porcellane ma… in carne ed ossa, anzi meglio in piume e pelo. Riesci a riconoscerli? Certo, vederli così, morti e impagliati fa un po’ tristezza ma, nei tempi passati, questa pratica è stata necessaria per osservarli, studiarli e conoscerli.

Noi, per fortuna, oggi abbiamo la fotografia, i video e, tramite apparecchiature speciali riusciamo ad osservarli senza disturbarli. E così, proprio poco tempo fa abbiamo saputo che nel bosco c’è stato un lieto evento: è nata una volpe!

Sala dell’Eruzione

La sagoma del Vesuvio fumante piaceva tanto a viaggiatori e artisti che più volte lo hanno ritratto nelle loro opere. Che spettacolo, quando brontolava e lanciava dalla sua bocca fuoco e fiamme, cenere, lapilli e lave! Di notte il cielo si tingeva di rosso… era bellissimo però… faceva anche paura e il popolo, spaventato e superstizioso, ignorante dei fenomeni scientifici, gli attribuiva un’anima, pensando che volesse punirli per qualche malefatta e si riuniva per pregare insieme. Cercalo!

Sala dei Pulcinella

Cerca di metterti sulla punta dei piedi e controlla un po’ i tuoi abiti allo specchio, sistema i capelli, assumi un atteggiamento composto e un po’ altezzoso: il re ti ha invitato alla sua festa e sei appena giunto nel Salone da ballo! Ma gli ospiti d’onore oggi non sono gentiluomini e dame, bensì… Pulcinella! Tanti Pulcinella che invadono la grande sala arrampicandosi e giocando tra mille acrobazie… come quelle che dobbiamo fare ogni giorno per vivere.

E poi segui il film Carosello napoletano: Pulcinella ti stupirà ancora una volta con la sua nascita e la sua morte.

Sala della Caduta dei Giganti

Che capitombolo! I Giganti, invidiosi degli dei, hanno cercato di prendere il potere raggiungendoli fino in cielo mettendo le montagne una sull’altra ma gli dei hanno fatto crollare la loro scala improvvisata punendoli severamente.

E ti sembrerà strano ma questo grande oggetto era un centrotavola: figuriamoci quanto era grande la tavola!

Proprio come i giganti, quando, nel 1799, alcuni giovani napoletani cercarono di dare maggiore libertà al popolo migliorandone le condizioni, la regina Maria Carolina li condannò tutti a morte. Il re, da parte sua, dopo averli sconfitti li avrebbe pure perdonati ma si sa, i napoletani hanno buon cuore e gli austriaci sono più severi. E poi lei era la sorella della regina Maria Antonietta di Francia che, circa un decennio prima era stata ghigliottinata dai Rivoluzionari… e allora un po’ la paura, un po’ la voglia di vendetta la spinsero ad essere così spietata. Brutta storia… poi la studierai e capirai meglio.

Ora divertiti ad ascoltare il canto beffardo dei napoletani contro la pazza regina Carolina!

Sala del Gioco d’azzardo e del destino

Giochiamo! No, non tu, questi giochi non sono adatti ai bambini. Qui si puntano e si perdono grandi fortune e l’ambiente promiscuo non è certo dei migliori. Vedi come sono animati e discinti i giocatori? Osserva le belle tavole da gioco ma tieniti alla lontana!

Sala “Miseria e nobiltà”

Damine, cicisbei, paggetti e damigelle… Chi non vorrebbe indossare i loro abiti e i loro ornamenti per un giorno?

Ma quanto erano eleganti questi signori del Settecento quando si recavano alle feste o a teatro con i loro binocoli, i ventagli, i profumi, i bastoni, le tabacchiere…

E anche i loro servi, a volte maldestri come questo che ha rotto un prezioso piatto, cercavano di non essere da meno, pur nella loro povertà.

E secondo te, oggi, cosa ti rende elegante? Pensaci un po’.

Sala della Parrucca

Certamente per essere elegante non penseresti di indossare una parrucca! E invece, a partire dal Seicento, le parrucche divennero sempre più di moda e sempre più alte e voluminose!

Soprattutto le dame, impiegavano molto tempo per pettinarsi: sulle loro teste sorgevano vere e proprie costruzioni arricchite di gioie e ornamenti, ma scomodissime e molto spesso, abitate da ospiti non proprio graditi che le costringevano ad usare uno strumento particolare, il “grattoir” … puoi immaginare a cosa serviva…

Sala della Culla

Ma come ogni favola che si rispetti, siamo arrivati alla conclusione.

“E il lieto fine?” ti starai chiedendo.

Beh, il lieto fine non è obbligatorio perché questa non è una fiaba, è una Storia vera che si lascia dietro cose belle e cose brutte.

Ma ricordarle è sempre importante e può essere anche divertente.

E a te questa storia è piaciuta?

Vieni allora a vederla di persona!

La sartoria del Teatro di San Carlo

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Le manifatture di porcellana del Regno di Napoli e i numeri della mostra

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